Las personas LGBTQ, las personas de color y las mujeres han tardado un siglo en obtener lo que se merecen, aunque han inspirado y dado forma a la industria durante el mismo tiempo.
Las personas queer y transgénero han desempeñado un papel importante en todas las facetas de la música moderna, pero no es frecuente que las mujeres lesbianas, bi, queer o trans sean celebradas por sus contribuciones. Sexismo, homofobia, racismo: las personas incluidas en esta breve historia se han enfrentado uniformemente a uno o más de estos obstáculos en el camino. Su música, sin embargo, sigue viva como testimonio de su perseverancia.
Mujeres negras pioneras
La hermana Rosetta Tharpe tenía una técnica autodidacta que había practicado desde los cuatro años, tocando en vivo con su familia antes de grabar por primera vez a los 20 años en 1939, llevando su ritmo espiritual y su rock a la radio. Los biógrafos dicen que se sabía que la hermana Tharpe tenía una relación con al menos otra mujer mientras estaba de gira, y el camino facilitó que muchas mujeres vivieran más abiertamente sin temor a represalias homofóbicas. Artistas como la estrella del Renacimiento de Harlem Gladys Bentley, la “Emperatriz del Blues” bisexual Bessie Smith , la gimiendo Ma Rainey, y la cantante de “dirty blues” Lucille Bogan fueron más abiertas en su queerness en el escenario: en la canción de esta última, “BD Blues”, BD significa “bull dagger”, un guiño a las mujeres masculinas de centro o butch como Bentley. en su sombrero de copa y pantalones.
También se decía que Billie Holiday , quizás una de las cantantes de jazz más conocidas en la historia de Estados Unidos, tenía una relación con la actriz Talullah Bankhead, aunque, incluso con la naturaleza clandestina liberadora de la era de la prohibición, la mayoría de las personas queer no se identificaban como tales. en público tanto como lo hicieron en un escenario. Holiday reclamó a Bessie Smith como una de sus mayores influencias, aunque nunca fue tan explícita sobre su carácter queer en su acto.
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En comparación, una canción de amor entre personas del mismo sexo o un vestido de mujer podría verse como un guiño lúdico, pero las personas LGBTQ aprendieron a identificarse en todos los sentidos.
Las mujeres negras y birraciales recorrieron los circuitos de vodevil y chitlin donde tocaron para otras personas de color y de mentalidad abierta desde la década de 1920 hasta la de 1940, inspirando a otros músicos como Big Mama Thornton, a quien a menudo se anunciaba como “la hermana menor de Bessie Smith”. rindiendo homenaje a su predecesor.
Más tarde, Elvis Presley popularizó “Hound Dog” de Thornton . Thornton se fue de gira con Janis Joplin, donde fue el acto de apertura de la cantante.Perro de caza
El miedo a la lavanda
La vigilancia de género y la segregación empeoraron después de la Segunda Guerra Mundial, por lo que el “acto” de la homosexualidad fue uno que las mujeres músicas queer y no conformes con el género navegaron con cuidado desde finales de los años 40 y hasta bien entrados los años 50 y 60. Esta era de macartismo y “el miedo a la lavanda”, como se le llamó, condujo posteriormente a los primeros boletines de base y grupos de derechos LGBTQ.
En el circuito lounge clandestino, la cantante y pianista Frances Faye estaba realizando coqueteos sáficos irónicos mezclados con doble sentido en sus números cómicos. Las principales ciudades como Nueva York, Los Ángeles y San Francisco albergaban lugares como Madame Spivey’s y Mona’s Club 440, establecimientos enfocados en lesbianas donde artistas queer como Liberace y Gladys Bentley tocarían entre otros artistas LGBTQ establecidos.
Las mujeres todavía estaban relegadas en gran medida al canto pop en lo que respecta al éxito general. Aunque no estaba fuera en ese momento, la fallecida cantante lesbiana Lesley Gore tuvo uno de los mayores éxitos pop de la década de 1960 con “It’s My Party”, nominada al Grammy, seguida de “You Don’t Own Me”, mientras que la bisexual el cantante Dusty Springfield tuvo varios éxitos con “Wishin’ and Hopin'”, “Simplemente no sé qué hacer conmigo mismo”, “No tienes que decir que me amas” e “Son of a Preacher Man”. ” Estas primeras canciones teñidas con tendencias feministas de independencia y autosuficiencia fueron oportunas ya que el feminismo de la segunda ola creó oportunidades para que las mujeres usaran sus voces para cambiar el mundo.Gladys Bentley en “Apuesta tu vida”
El movimiento musical de mujeres
Cantautoras como Joan Baez, Janis Ian y Joan Armatrading fueron fundamentales a finales de los 60 y principios de los 70, cantando las historias de sus vidas a las mujeres y disfrutando de la oportunidad de escuchar sus experiencias reflejadas en un momento tan crucial. Combinado con la idea del Amor Libre y la liberación gay, el movimiento de mujeres generó todo un movimiento de música de mujeres que se alineaba con la música folclórica confesional de la época, pero estaban separadas en su separatismo, es decir, escribieron canciones explícitamente para y sobre mujeres, y muchas de ellas eran lesbianas por naturaleza.
Cris Williamson, Holly Near, Maxine Feldman y Phranc son solo algunas de las cantautoras notables que actuaron para su comunidad en iglesias, cafés, bares gay y en festivales de música para mujeres, donde el activismo y la comunidad eran tan importantes enfoque como la música misma. Olivia Records fue uno de los primeros hogares de artistas femeninas LGBTQ, y la productora transgénero Sandy Stone hizo historia al producir varios de sus álbumes, allanando el camino para otros como la música electrónica Wendy Carlos, quien se declaró trans en 1979 después de haber ganado varios premios Grammy, popularizando el Moog y compuso la banda sonora de A Clockwork Orange de Stanley Kubrick y Tron de Disney .
Esta era de mujeres escribiendo, grabando y distribuyendo su propio trabajo y programando sus propios espectáculos y festivales fue una respuesta directa a la vigilancia de la industria, que seguía priorizando a los hombres. Las mujeres que desafiaron las convenciones de maneras adicionales tenían aún más en su contra, pero continuaron creando y tocando para ellas mismas y entre ellas, inspirando a las nuevas generaciones de mujeres jóvenes a tomar un instrumento y contar su propia historia.Tema de Tron (De “TRON”/Score)
Queer punk y disco
Este impulso musical en torno a nuevos sonidos y nuevas ideas llegó a su punto máximo en los años 70 con bandas de chicas como Fanny, liderada por la abiertamente gay June Millington, y The Runaways, liderada por la icónica guitarrista convertida en líder Joan Jett. La reacción violenta a esta ola feminista fue doblemente difícil, ya que estas mujeres no solo tenían que responder por sus deseos sino también por los del movimiento de mujeres, cuya música sentían que no podía capturar adecuadamente su angustia. Ninguna de las bandas hizo una gran mella comercialmente en los EE. UU., pero tuvieron éxito en el extranjero en Japón y más allá.
Al mismo tiempo, la música disco llegaba a los clubes de baile, y la rubia sexualmente fluida Debbie Harry dirigía a Blondie en los escenarios de Max’s Kansas City y CBGB junto a Patti Smith, quien, a pesar de no identificarse como queer, era un símbolo importante de la androginia. Grace Jones y Annie Lennox también participarían en esta exhibición drag-esque, confrontando las nociones de feminidad tradicional en la corriente principal mientras que la homofobia mantuvo a las músicas abiertamente lesbianas segregadas en su propio circuito.
La discoteca estuvo fuertemente influenciada por los clubes gay y se tocó en ellos, y aunque Sylvester y sus aliados como Donna Summer son más a menudo identificados como lesbianas, Nona Hendryx de LaBelle (“Lady Marmalade”) y Alicia Bridges, cuyo éxito “I Love the Nightlife” fue al número 2 en las listas de Billboard, también tocaron en los principales lugares y participaron en el movimiento masivo de la pista de baile.
Fue precisamente porque la discoteca era tan queer que hubo una reacción violenta tan masiva, pero la gente queer siguió teniendo una mano en todos los géneros, incluso si tenían que permanecer en el armario públicamente.Labelle – Lady Marmalade (Voulez-Vous Coucher Avec Moi Ce Soir) 1974 • TopPop
Chicas al frente
Los años 80 fueron el hogar de mujeres queer como parte de conjuntos: Wendy y Lisa con Prince, Helen Terry con Culture Club , Jane Weidlin de The Go-Gos y Kate Pierson cantando con The B-52’s, todos actos con inferencias queer en sus actuaciones. y grabaciones.
Mientras tanto, el punk se había estado filtrando desde mediados hasta finales de los años 70, con conjuntos de pioneros trans de Jayne County al frente en Nueva York, Londres y Berlín justo cuando el queercore salía de Toronto en 1985.
La artista y cineasta queer GB Jones acuñó el término “Queercore” en su fanzine y lideró el movimiento posterior con su banda post-punk de mujeres Fifth Column.
Como su nombre implica (un grupo que subvierte desde adentro), Fifth Column asumió tanto la escena punk heterosexual como la corriente principal gay e inspiró a otros actos queercore como Team Dresch, Tribe 8 y The Butchies, además de preparar el escenario para Riot grrrl . en los años 90 Bikini Kill, Bratmobile, Heavens to Betsy y Excuse 17 fueron parte integral de la estética DIY feminista pro-queer de tercera ola, presionando para hacer que los espacios punk sean más equitativos y seguros para las mujeres y las personas de todos los géneros.Los Go-Go’s – Head Over Heels
Patear la puerta abierta
Los años 90 también fueron una década notable para las mujeres homosexuales en la música, con reverberaciones de la fluidez sexual de Madonna , la individualidad de Cyndi Lauper y las declaraciones reales de independencia de Queen Latifah creando espacio para más voces de diferentes tipos de cuerpos. kd lang y Melissa Etheridge ganaron elogios de la crítica y escalaron las listas de Billboard mientras se declaraban homosexuales a propósito.
kd lang, una cantante de música country canadiense con el pelo corto y una predilección por la ropa de hombre, fue la primera artista convencional en identificarse públicamente como lesbiana cuando salió en The Advocate en 1992, cinco años antes de que Ellen DeGeneres hiciera lo mismo en la portada de El tiempo. Su estilo masculino de centro y su exitoso sencillo “Constant Craving” hicieron que se movieran las lenguas: se convirtió en el rostro de la “chic lesbiana”, posando con la supermodelo Cindy Crawford para una portada provocativa y ahora icónica de Vanity Fair .
La rockera inspirada en el blues, Melissa Etheridge , siguió a lang, anunciando su propia identidad lesbiana con el lanzamiento de Yes, I Am , en 1993. Fue el cuarto álbum de la cantante, pero la puso en el mapa, impulsada por rockeros como “Come To My Window”. ” y el absoluto “I’m The Only One” que quema el granero. Etheridge se convirtió en un nombre familiar y obtuvo un Grammy a la Mejor Interpretación Vocal Femenina de Rock.Melissa Etheridge – Soy la única (video musical)
Lang y Etheridge no estaban solos, pero abrieron de par en par la puerta del armario para que otras mujeres queer hablaran más abiertamente sobre su sexualidad en relación con sus composiciones o su personalidad pública. The Indigo Girls , Meshell Ndegeocello, Linda Perry de 4-Non Blondes, la baterista Patty Schemel de Hole, Josephine Wiggs de Breeders y Kate Schellenbach de Luscious Jackson también fueron abiertas sobre sus identidades queer en las páginas de Spin y Rolling Stone . como revistas centradas en mujeres como Bitch y Girl Germs , mientras que “I Kissed a Girl” de Jill Sobule (de su álbum I Can’t Think Straight ) fue nominada a dos MTV Video Music Awards en 1995.
Salir del armario era un arma de doble filo, ya que Lang, Etheridge e Indigo Girls se hicieron tan conocidas por ser lesbianas que sus identidades sexuales a veces podían eclipsar sus habilidades musicales. Aunque estas artistas fueron objeto de bromas crueles y parodias en ocasiones, su presencia en público dio a las lesbianas más visibilidad en un momento crucial para grupos de activistas políticos como Lesbian Avengers que, sintiéndose abandonados por las feministas heterosexuales y los hombres homosexuales, buscaron seguridad y respeto como mujeres y homosexuales.
Queer pop en los años
El feminismo se hizo popular con las Spice Girls , a quienes a menudo se las acusaba de mercantilizar el feminismo y empaquetarlo como poder femenino. Pero el reconocimiento de los fans queer del grupo también insinuó el futuro brillante de las mujeres queer en el pop. (Mel B también se declararía bisexual más tarde). Con el cambio de milenio, la radio pop eclipsó al rock universitario como la fuerza cultural dominante, ya que artistas solistas como Lady Gaga , Miley Cyrus y La Roux jugaron con su pansexualidad en el escenario. y en la televisión en momentos más raros que el beso de Britney y Christina con Madonna en los MTV VMA de 2003.
Justo un año antes, MTV también presentó un truco similar, esta vez del dúo de pop ruso tATu y su video de provocación “All The Things She Said”, donde el dúo se hizo pasar por colegialas lesbianas. Se convertiría en uno de los muchos casos de fetichización que enfrentaron las mujeres queer a lo largo de la década.La Roux – A prueba de balas
Una vez que TRL salió del aire, Internet se hizo cargo, junto con una afluencia de modos para que los artistas se compartieran con el mundo. Cada vez más mujeres artistas queer no solo pueden ser abiertas sobre quiénes son, sino que también pueden expresarlo libremente y, por lo tanto, con menos miedo que sus predecesoras. Artistas como Demi Lovato , Tegan and Sara, King Princess, Halsey, Janelle Monae y Hayley Kiyoko crean música explícitamente queer. El tema sáfico de Demi Lovato, “Cool for the Summer”, y el dúo de Halsey, “Strangers”, con Lauren Jaruegui, abiertamente bisexual, ayudaron a crear un nuevo conjunto de himnos queer para las nuevas generaciones.
Fuera del pop, la década de 2000 fue el hogar de una próspera escena electrónica con actos queer como Anohni, Fever Ray y Goldfrapp tocando escenarios en festivales a gran escala, mientras que la música country y el hip-hop han visto un aumento significativo en artistas abiertamente homosexuales.
En 2019, la música estadounidense Brandi Carlile ganó tres premios Grammy por su último álbum, solo 12 años después de que Chely Wright se convirtiera en la primera cantante de country importante en declararse lesbiana, mientras que la cantautora Brandy Clark sigue siendo una de las mejores en el negocio, colaborando frecuentemente con su destacada aliada (y reina del crossover country-pop) Kacey Musgraves , incluido el exitoso sencillo “Follow Your Arrow”, que ganó la Canción del año en los Premios CMA 2014.070 Shake – Conciencia culpable (Video oficial)
Mientras tanto, MCs como 070 Shake , Young MA y Chika continúan labrándose un espacio en escenarios heterosexuales y dominados por hombres como artistas femeninas queer, mientras que sus contemporáneos como Cardi B y Megan thee Stallion coquetean con la bisexualidad en sus mayores éxitos. Intérpretes trans como la cantante punk Laura Jane Grace, la artista soul Shea Diamond y el compositor pop Teddy Geiger aportan un talento y visibilidad significativos a sus respectivos géneros, tal como lo hicieron y han seguido haciendo las primeras mujeres LGBTQ, a pesar de que rara vez reciben el crédito adecuado.
Las personas LGBTQ, las personas de color y las mujeres han tardado un siglo en obtener lo que se merecen, aunque han inspirado y dado forma a la industria durante el mismo tiempo. Como la mayor parte de la historia LGBTQ, la influencia se rastrea fácilmente, pero con demasiada frecuencia se ignora.
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¡Qué sería del mundo sin #ellas!
